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Best of electro music 2012
Best Dj

Best of electro music 2012 par PopMatters

Best of electro music 2012

Two Fingers

Stunt Rhythms

(Big Dada)

10


Two Fingers
Stunt Rhythms

Il ya quelques années, Two Fingers a été fondée comme une collaboration entre Amon Tobin et son vieux copain Joe « Doubleclick » Chapman. Mais là où le duo éponyme débuts en 2009 a été étouffé par le club banal hip-hop et chant crasse, obscurcissant l’ampleur de leurs instrumentaux sur la scène principale, le suivi est une affaire beaucoup plus épuré. Encadré davantage comme un album solo Tobin, Rythmes Stunt est entièrement instrumental, ce qui permet à l’accent soit mis sur Tobin marque studio de prouesses techniques insaisissable, bien canalisée dans des formes discothèque plus convivial que entendues sur ses versions plus élaborées éponymes. Bien qu’il existe bien au-delà de l’EDM normalisé dubstep qui a consolidé la notion populaire de la bass music, rythmes Stunt adore les basses fréquences, avec skittering percussions et traitement sophistiqué de créer l’anticipation des éventuelles gouttes qui ont frappé comme une tonne de briques et de ne pas dépasser la durée de leur bienvenus. Pourtant, alors que cet album repousse les limites sonores de scène électro entreprises et hip-hop Timbaland production, il évite heureusement banales couplet-refrain-couplet structures dans la plupart des cas, offrir un moyen de sortir du club vers quelque chose de plus réfléchi, plutôt que de rechapage le chemin du retour dans la soupe insipide de marché testé l’homogénéité. Autrement dit, les rythmes Stunt est digne d’une investigation académique et la dissection piste de danse même. Alan Ranta

 

l'art de couverture

Shackleton

Musique pour le Quiet Hour / Les EPs orgue à tirettes

(Malheur To The Heart septique!)

9
Shackleton
Musique pour le Quiet Hour / Les EPs orgue à tirettes

S’il y avait un doute en 2011, 2012, il se solidifie: « dubstep » est le nouveau « techno », un terme qui a appartenu à un genre peu près définissable, maintenant utilisé comme un fourre-tout pour la musique électronique populaire de la journée, avec de multiples factions disputent ce qui le rend «réel». En dehors de cet argument sont quelques âmes qui, tout en étant manifestement en utilisant dub et de la basse comme des tremplins, ont atteint loin en dehors de ce qui était autrefois la fin expérimentale du spectre dubstep. Comme quelqu’un qui était autrefois un artiste qui définit ladite extrémité dubstep expérimental, Shackleton est allé plus loin que jamais cette année.

Les EPs compilés orgue à tirettes fournit la moitié la plus accessible et familier de cet ensemble. S’appuyant sur des fragments mélodiques des organes titulaires, ces pistes opposer harmoniques élevées par rapport aux lignes de basses collines et profonde de vapeur atmosphérique. Comme d’habitude, la percussion en vrac est évidemment séquencée d’une manière qui a été la signature de Shackleton. Piste séquençage raconte une histoire ici-dub redouter au début des titres comme « Sept temps présent » et « touché » par davantage d’affaires colorés comme les flûtes de «Katioucha» ou des expressions kalimba de « Wish You Better ». Ces pistes travailler séparément et dans leur ensemble, un agréable et engageante entendre que fournit ce que nous sommes venus à attendre de Shackleton en contexte frappant de l’autre moitié de ce communiqué.

Une piste d’une heure divisé en cinq parties et mettant en vedette la narration menaçant d’un futur dystopique, Music for the Quiet Hour est, en partie, Shackleton traversée vers la prog. Je mentirais si je disais que je l’ai pris tout au sérieux, ou jamais demandé si Shackleton a été atteint au-delà de sa portée. Mais dans l’ensemble, Music for the Quiet Hour est un casque écoute captivante, analogue à la lecture d’un roman philosophique cyberpunk dans une séance de fin de soirée. Imperfections marques de Shackleton parsèment le paysage: les boucles sont à peu près tronquée, des phrases de mélodies simples cringingly sont sans cesse répétées, et les tambours sont soit si lâche, ils sont raides ou si raide, ils sont lâches. (Je ne peux toujours pas me décider.) C’est dans la mesure où la batterie à apparaître, ce qui est la plupart du temps comme une façade: il ya peu ici par la voie d’un battement d’ancrage, certainement rien de plus cohérent que les excursions (encore assez abstrait) a battu sur l’année dernière Pinch & Shackleton collaboration. Bass est toujours un élément dominant, cependant, et c’est la couverture qui vous maintient à travers. Minimal et rugueux, Musique pour le Quiet Hour est un gutsy, crûment (peut-être honteux) honnête sommet de la carrière de Shackleton à faire exploser les éléments de … Disons simplement revenir à l’appel de la bass music il. David Abravanel

 

l'art de couverture

Carter Tutti Void

Transversal

(Mute)

8
Carter Tutti Void
Transversal

Albums live électroniques sont souvent pas l’étoffe de fin d’année des superlatifs. C’est parce qu’ils tombent généralement dans l’une des deux catégories suivantes:. Soit un projet de vanité pour les DJ superstar ou une séance d’entraînement universitaires dont la thèse est bien plus intéressant que la musique elle-même transverse est une réussite improbable qu’il s’agit d’une capture d’un spectacle d’une heure à Mute Festival de court-circuit mai 2011 entre une récente talent (Void Nik de la Factory Floor postpunk unité de concassage) et un ensemble de vieillissement artistes expérimentaux récemment subi une renaissance en quelque sorte sous la forme de rééditions et des revirements (Chris Carter et Cosey Fanni Tutti d’ Throbbing Gristle, Chris & Cosey, CTI, et Carter Tutti-). Quelque chose était dans l’air au cours de cette performance vraiment sublime, cependant, parce que Carter, Tutti, et Void créé quelque chose de très spécial dans la forme de ces quatre pièces (cinq, si l’on inclut la version V4 bonus de la version CD).

Les chansons elles-mêmes sont des expériences de substitution moins que les membres détachés du même corps mutant. Bien que chacun d’entre eux progresse et se déplace d’une manière foncièrement uniques et est coiffée par un bref tour d’applaudissements, les pièces sur l’ensemble n’a jamais remis à zéro, mais plutôt d’absorber et de filtrer à travers les atmosphères des pistes environnantes à construire et à battre en retraite. La tension monte, puis s’installe jamais, laissant ses résidus dans le chant funèbre procédure, la création d’un ruban de Möbius troublante d’un album qui sent à la fois circulaire et unidirectionnel à la fois. Dans le prolongement de la teuf et le taux de désabonnement de Throbbing Gristle morceaux comme « Dead on Arrival» ou «Ne faites pas ce qu’on vous dit, faites comme vous pensez», transverse a une démarche constante, une modernisation qui ne semble pas hors de lieu sur la piste de danse à côté d’un boulet de Sandwell District. Pourtant, il n’y en a pas du lecteur guidée de la techno ici. C’est exploratoire de navigation psychogéographique c’est encore volatile contrainte, un voyage à travers les cauchemars avec les fenêtres fermées. On peut entendre le trio retient que le chaos imprègne autour de la gorge de verrouillage de la quatre à l’étage-. Shades of dub spatialité servir à renforcer l’effet de tout cela brouille le déplacement contrôlé. Guitares sonnent comme des machines et des commentaires synthés comme les guitares tous les frissons tandis que chaque éphémères sonores nouveaux et se dissipe avant de l’oreille a la possibilité de traiter ses effets. C’est pourquoi transverse est un grand album live. Elle ne représente pas seulement un «vous auriez dû être là » moment, mais une performance si forte qu’elle refuse de se limiter à une expérience d’écoute unique. En effet, vous vous surprendrez à y revenir encore et encore. Timothy Gabriele

 

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Willits + Sakamoto

Ancient Future

(Ghostly International)

Examen [30.Jul.2012]

7
Willits + Sakamoto
Ancient Future

Bien Ocean Fire (2007, 12k), la dernière collaboration entre Christopher Willits et Ryuichi Sakamoto, a été assemblé à partir d’une journée en personne séance de studio, Ancient Future est né d’une longue et longue distance, la collaboration. Tout comme deux amis pourraient être plus enclins à parler en phrases complètes par téléphone, l’interaction entre les deux collaborateurs sur Ancient Future ressemble plus à une conversation profonde et douce. « Abandoned Silence » donne le ton, comme des phrases de piano Willits enveloppes Sakamoto avec Scintillant soutenue réverbération et baissa lentement, sonneries guitare. Les deux minutes finales de « Silence » risque dans un drone magnifique climatiques, une fusion des deux principales parties instrumentales qui sévit dans «Je ne veux pas comprendre » et apparaît à nouveau à l’arrivée de la plus étonnante, «Conclusion « .

Il ya une progression de piste en piste, mais Ancient Future est loin d’être un album concept clair. Willits et Sakamoto sont plus en laissant l’auditeur répondre aux subtilités mi-une corde de piano mal s’effondre ici, une guitare lécher plis sur lui-même là-bas. La nature liquide de l’album vient aussi de la discussion naturelle tenu le record entre les deux collaborateurs, comme Mike Newmark a noté dans son étude , Sakamoto est resté étonnamment humble collaborateur pour tout son pedigree légendaire. C’est tout à son honneur que le piano ici est chaude, lente et magnifique, sans se sentir ennuyeux ou impatient. De l’autre côté, riffs de guitare Willits «favoriser longues tonalités soutenues qui entourent les autres sons-c’est seulement à l’occasion, que l’attaque de guitare est aussi frappante que celle du piano.

Ancient Future fonctionne le mieux comme un voyage long et fluide. Sans surprise, l’album a été enregistré, monté et édité dans un grand fichier de travail audio numérique session. Bien qu’il existe certainement des sessions différentes, tout reste liée thématiquement, avec le début à la finition expérience étant la plus engageante, un récit magnifique et enrichissante abstrait. David Abravanel

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Monolake

Spectres

(Computer Music déséquilibre)

Examen [12.Apr.2012]

6
Monolake
Spectres

Robert Henke est quelque chose d’un savant fou du son. Dans sa tentative de repousser les limites de l’oreille humaine comme son alter ego Monolake, il a produit Ghosts entièrement en 96kHz. Dans ce but, il a enregistré des échantillons en dehors de la gamme de l’audition humaine (supérieure à 20 kHz), puis de les transposer à notre niveau. Bien qu’il ne semble pas avoir rencontré les « signaux cachés », il a été l’espoir de trouver, ce désir d’expansion ne encadrer les limites de l’esthétique de Henke. En effet, si il ya des limites, il est obligé de trouver ce qui existe de l’autre côté et faire rapport de ses conclusions. Signaux cachés ou non, Ghosts intègre les sons d’articles ménagers courants, en utilisant une multitude de timbres vitreux et métallique le long du côté froid, basse futuriste et lavages de bruit. L’espace est un thème majeur de l’album, dans un sens du placement. Le jeu de réverbérations et de la dynamique, la manière dont les sons se rapportent les uns aux autres dans Henke a magistralement conçus espace, des lieux comme beaucoup de poids sur la chute des sons que leur attaque. En effet, la composition des sons les imprègne avec un étranger, la sensation d’un autre monde, qui fait partie d’un environnement anormalement précise synthétique qui se sent néanmoins réel. Pour être sûr, Ghosts n’est pas un lunatique rétro-futuriste escapade dont on parle tant tendances contemporaines de la techno sont. Cela ressemble à l’avenir, un avenir inquiétant provocante. Alan Ranta

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Audio coin Pye

Le Moulin Noir Volume Tapes 3: Tous les chemins Ouvrez

(Pye Corner Services audio transcription)

5
Pye Audio Corner
The Black Mill Tapes Volume 3: All Pathways Ope

Une fiction évidente, la trame de fond Coin Pye Audio affirme que le groupe est plus de techniciens du secteur des services que musiciens, leur travail consistant à transcrire une vaste archive de bandes perdues à partir de 1970. L’octroi de cette période se donne la licence du projet de sonner comme hors du temps ou hors de propos que possible, en se concentrant sur la marque du futurisme perdu qui a défini le projet hauntology dans la musique électronique. Cela leur a bien servi pendant deux délicieusement lunatique albums de courtes vidéo réanimé méchant bandes sonores en 2011, qui étaient tous deux servi dans une réédition choix par Type Records au début de cette année. Leur troisième album complète la trilogie et peuvent aussi être les meilleurs du groupe. Ledit célèbre auteur des bandes dessinées et romancier Warren Ellis, «Ce n’est pas aussi immédiatement plutôt que ses prédécesseurs, mais j’ai trouvé qu’il est plus riche et plus gratifiant. » Divided, comme ses prédécesseurs, entre « Transmissions », « Thèmes », et « Rythmes électroniques », tome 3: Toutes les voies ouvertes compose beaucoup plus de ce dernier et renonce à une grande partie du travail ambiante pour générer une impulsion de danse rudimentaire pour suturer ses transcriptions ensemble. « Inside the Wave» est John Carpenter en tant que compositeur en pleine transformation kafkaïenne dans Drexciya, tandis que « Numéro de rythme électronique Une » épreuve elle-même quelque part chronologiquement et esthétiquement entre E2-E4 et modèle 500. Pourtant, ces hybridations ne constituent pas une simple mimique ou des exercices de genre. L’endettement sonore Audio coin Pye à l’œuvre de bande permet le cadre conceptuel de la réussite du projet; chaque morceau sonne comme un artefact récupéré sert à quelque chose occulte fonctionnelle moins connaissable que les mondes de la diégèse et de la danse. Timothy Gabriele

<span onmouseover= »_tipon(this) » onmouseout= »_tipoff() »><span class= »google-src-text » style= »direction: ltr; text-align: left »><a href=http://translate.googleusercontent.com/translate_c?depth=1&hl=fr&rurl=translate.google.com&sl=auto&tl=fr&twu=1&u=http://pyecorneraudio.bandcamp.com/album/black-mill-tapes-vol-3&usg=ALkJrhgx2fsQ11nVfVtG2I8TXuoAwZnEkQ>Black Mill Tapes Vol.3 by Pye Corner Audio</a></span> <a href=http://translate.googleusercontent.com/translate_c?depth=1&hl=fr&rurl=translate.google.com&sl=auto&tl=fr&twu=1&u=http://pyecorneraudio.bandcamp.com/album/black-mill-tapes-vol-3&usg=ALkJrhgx2fsQ11nVfVtG2I8TXuoAwZnEkQ>Les bandes noires Mill Vol.3 par Audio coin Best of electro music 2012

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Mouse on Mars

Parastrophics

(Monkeytown)

Examen [5.Mar.2012]

4
Mouse on Mars
Parastrophics

Cinq ans après sa dernière libération six si vous ne comptez pas Reflexxions Tromatic, la collaboration avec Mark E. Smith Von Südenfed-it! Être pardonné de penser Mouse on Mars a été la marche à sec sur des idées. Les Parastrophics chaotiques, cependant, suggère une autre histoire: c’est le bruit de quelqu’un à bout de la vie après être sorti de la noyade près. C’est plein de vie, erratique et souvent difficile à suivre, et certainement un album qui n’est pas près de partir.

Alors que la plupart des actes abattage d’un track listing album d’un plus grand bassin de la musique, ça sonne comme si le Parastrophics Mouse on Mars a eu 100 écoutes prêt, et simplement coupé les pièces en 13 pastiches. Comment expliquer autrement la ruée des «Polaroyced » , un single qui peut à peine se tenir à se répéter de bar en bar. On dit que quelque récompense albums écoute active, mais purement et simplement les Parastrophics-si vous empêchez-vous de perdre du terrain entièrement et aurez juste besoin de revenir sur vos pas au début d’une piste.

Plus que la somme de ses parties schizophrènes, Parastrophics présente une rétrospective stylistique de la souris sur l’œuvre éclectique de Mars. C’est un rappel de revisiter le catalogue d’un même groupe qui a créé des œuvres aussi diverses que la Vulvaland kraut-ambient (1994, Too Pure), le connecteur arène pépin Radical (2004, Thrill Jockey), et tout le ambient-industrielle -jungle-déformés sonores acoustiques entre les deux.

Quant à la route? Bucking le long processus de création, Mouse on Mars a déjà sorti un autre album, Wow (Monkeytown), et obtenu crowdfunding pour WretchUp , une croix-plateforme, open source app effets. Ils sont au-dessus de l’eau à nouveau, avec beaucoup plus de coups de pied à faire. David Abravanel

 

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Black Moth Super Rainbow

Juicy Cobra

(Cult Rad)

Examen [8.Nov.2012]

3
Black Moth Super Rainbow
Juicy Cobra

Timothy Gabriele Timothy Gabriele

Black Moth Super Rainbow est un de ces groupes destinés à être moqué de certains coins. La bande est trop redevable à ses vanités centrales de Garbage Pail Kids-type pseudonymes, tout vocoder voix, et warbly poubelles synthé analogique ordure être pris au sérieux par l’ensemble indie, trop timide pour être correctement psychédélique, et trop lié à un brut modèle de composition de chansons pour recueillir tout sauf hausse dans les mains des habitants électroniques et électro-érosion. Dans les mains de Dinosaur Jr., une ligne comme « Fucked up quand je suis livin ‘sans toi » de Cobra Juicy l’ « Spraypaint » sonnerait comme le travail de certains fils de pute creuses. Dans les bras de Ye ou Drake, il avoisinerait sur le narcissisme dépressif. De BMSR cependant, il est, comme beaucoup de ses coupes, douceâtre et touchante, si un peu troublant. Leur lexique brut, comme leur langue vernaculaire instrumentale, est un produit des limites de son univers. Et à moins que vous acceptez que BMSR est un groupe fondé sur les limitations, vous ne serez jamais pénétrer dans leur génie. Ces limitations sont également pourquoi chaque album du groupe semble que c’est une légère variation et une légère amélioration sur le dernier.

Juicy Cobra ne faire quelques foulées pointues, cependant. Les lèche noueux de « Smasher pare-brise » et les jabs Survivor-esque du «Cœur Hairspray » hymne virer toujours près de power-pop, tandis que le chant du tabac de ce dernier sont ponctués plutôt que contenue dans l’ellipse peut-être pour la première fois. Un partenaire silencieux dans les douleurs de l’enfantement des parties synthier de chillwave, BMSR ont retracé les étapes de « Comme un Sundae » et la mince alt-country twang de «dommages Amour psychique», ce qui prouve qu’ils peuvent faire endommagés prend MOR ainsi que compatriote parrain Ariel Pink. Astucieusement, le groupe évite le pastiche mais en refusant d’un clin d’œil car ils restent dans le caractère. Bien sûr, il est toujours fondre horloges abondent dans ce désert uchronique, ruisselant comme splatting crème glacée sur le béton un jour où le coup de chaleur provoque des visions démoniaques de découler de la toile de fond de bande dessinée de la camionnette de bonne humeur. Contrairement aux escapades passées, comme la gomme de pissenlit, cependant, où la violence occasionnelle de bruit exposés ces démons acharnés de leur nature pour ce qu’ils étaient, Cobra Juicy l ‘est peut-être mal plus pernicieux, car il est chaleureux et accueillant de la baisse de l’aiguille à l’ fin. Timothy Gabriele

 

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Orbital

Bancal

(ACP)

Examen [10.Apr.2012]

2
Orbital
Bancal

Orbital produit quelques-uns des musiques les plus émotionnellement résonance et les plus influents de tous les temps rave-entre 1989-2004. À peu près tout publié par les frères Phil et Paul Hartnoll dans cette période a fait les charts britanniques, et ils ont même atterri trois albums dans le Top 10. Cependant, face à la création burn-out, ils se sont séparés et ont fait de leur propre chose pendant un certain temps. Puis, après une réunion vingtième anniversaire concert engendra une tournée, ils ont décidé que, plutôt que de tenter de vivre de leur héritage incomparable, ils pouvaient produire un nouvel album. Wonky se révélera être plus qu’un communiqué de retour vanité s’adressent qu’à profiter de la nostalgie de ravers vieillissement. Repose davantage sur ce que les Hartnolls voulu jouer en live que ce qu’ils croyaient être cool dans le studio, cet album est un effort tout à fait amusante qui respire la passion revigorée. Le duo admettent eux-mêmes que leurs deux derniers albums dans les noughties début aurait pu être édité vers le bas dans un bon album, mais tue Wonky du début à la fin. Poussés par leur sélection éclectique de synthétiseurs vintage que passer par le logiciel contemporaine en battements de propulsion et des mélodies enivrantes, les robinets d’albums dans l’optimisme PLUR de leur jeunesse en venant d’une plus naturel, le lieu mature. En tant que tel, Wonky était plus un pas en avant d’un come-back. Alan Ranta

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Andy Stott

Problèmes de luxe

(Modern Love)

Examen [14.Dec.2012]

1
Andy Stott
Luxury Problems

Ayant des problèmes de luxe, la musique Andy Stott a pris un peu d’une douche et j’ai rencontré un ami. Comme les efforts précédents, les thèmes de l’isolement et de la mélancolie imprègnent encore le son (pour ne pas mentionner les titres des pistes), mais les choses sont plus claires cette fois-ci. Où est moi 2011 Adoptée par le étouffés les problèmes à sa base avec un bruit sourd taché et filtré industrielle, Problèmes de luxe emprunte des humeurs smirking jungle. Alors que des titres comme « Sleepless » et « La Poule aux oeufs plan » sonnent comme des lamentations, de la seconde moitié du record atteint des niveaux carrément optimistes. Closer « Leaving » en particulier, en l’absence des grosses caisses qui sont devenues oppressives marque Stott, se sent comme un étirement des épaules rafraîchissante.

Mis à part un son moins écrasé, chant Alison Skidmore sont l’autre nouveauté majeure de son Stott ici. Un ami de longue date et professeur de piano de Stott, Skidmore contribue fragiles homologues mélodiques au bruit de percussion délavée. Souvent, la sienne est une voix qui a du mal à rivaliser avec les éléments Bassier, ou dissout dans un ragoût de phonème, comme sur opener « Numb ». Encore une fois, c’est le fameux «Quitter» qui constitue une véritable révélation pour toute la beauté vient de ses désormais dominantes chant, Skidmore ressemble à un monde plus las de Hawkshaw Kirsty, rendant la piste une sorte de « Halcyon + On + On » pour le genre de journalistes bâtards tristes qui mangent jusqu’à ce truc gris. La nostalgie ne s’arrête pas là, « Up the Box » propose même une disposition claire (et ralentie) pause Amen.

Stott n’est pas la seule personne à mettre le cadavre pourri de souvenirs dithyrambiques sur un affichage clair (Scuba allé plein de force dans cette direction), mais il l’a fait d’une manière qui se sent étonnamment naturelle. Comme regarder fondu gris au blanc, Problèmes de luxe est un brillant écouter dans la façon dont il conduit l’auditeur sur une progression à un nouveau territoire qui se sent ni forcé ni gadgets. Croissance continue Stott a été extrêmement enrichissante, et pour cela, il a été un choix facile pour le mettre au n ° 1 pour la deuxième année consécutive. David Abravanel

Best of electro music 2012

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